Miley Cyrus‘ „Plastic Hearts“: Albumrezension

Von Claire Shaffer

Vor dreizehn Jahren veröffentlichte die Teenagerin Miley Cyrus „See You Again“, eine knurrende Dance-Rock-Single und ihre erste ohne den Spitznamen Hannah Montana, der sie berühmt gemacht hat. Und obwohl es sich nicht weit von der massenproduzierten Popmusik des Disney Channel entfernte, war „See You Again“ dennoch eine leichte Überraschung: Es war übermütig, clever und ein bisschen cooler, als irgendjemand wirklich von der Tochter des „Achy Breaky Heart“ erwartet hätte " Kerl. Noch bemerkenswerter ist, dass Cyrus bei „See You Again“ am selbstbewusstesten und in ihrem Element war – ein Gefühl, das sie bisher auf ihrem Glam-Rock-Retro-Album „Plastic Hearts“ nicht ganz reproduzieren konnte.

Dass Cyrus zu Gitarren und rauen Hooklines zurückgekehrt ist, ist je nach Ansicht poetisch oder äußerst praktisch. Nur wenige andere Berühmtheiten haben ihre fehlgeleiteten Versuche einer Image-Umgestaltung so zur Schau gestellt wie Cyrus, und nach aufeinanderfolgenden Ären als twerkender Shock-Jock und Flaming Lips-Psych-Pop-Prinzessin kommt zunächst die mitreißende Rock-Hommage von Plastic Hearts rüber, als würde man auf Nummer sicher gehen. (Es hilft nicht, dass die Highlights der Veröffentlichung dieses Albums nicht die Albumtitel selbst waren, sondern Cyrus‘ Live-Cover bekannterer Rockklassiker wie „Maneater“ und „Heart of Glass“.)

Wenn Sie jedoch eine Hommage wünschen, werden Sie keine bessere finden als hier. Bei Plastic Hearts zuzuhören ist wie ein Bar-Hopping entlang des Sunset Strip – wenn der Sunset Strip an einem einzigen Freitagabend irgendwie Gastgeber der größten Rock-Acts der Siebziger, Achtziger und Neunziger wäre und sie alle von Axl Rose angeführt würden. Es gibt schleichenden Nine Inch Nails-Industrial-Rock auf „Gimme What I Want“ und Elton John aus der Goodbye Yellow Brick Road-Ära auf dem leidenschaftlichen „Angels Like You“. Wenn man genau hinhört (oder auch nicht), ist der Anfang des Titelsongs ein echter Vorgeschmack auf die „Sympathy for the Devil“-Bongotrommeln.

Das Ganze zusammenzuhalten ist Cyrus, dessen kraftvoller Gesang das ganze Album zu einem sofortigen Karaoke-Must-have macht. Aber selbst sie hat keine Angst davor, sich ihren Einflüssen zu widersetzen: Die Lead-Single des Albums, „Midnight Sky“, wurde so oft mit „Edge of Seventeen“ verglichen, dass Cyrus beschloss, noch einmal nachzulegen und einen offiziellen Mash-up-Remix mit Stevie Nicks selbst zu veröffentlichen im Schlepptau. Man mag es schamlos nennen, aber Cyrus weiß genau, welche Art von Lederjacken-und-Kampfstiefel-Show sie hier abliefert, und ihre volle Hingabe an Rock in seiner bombastischsten, künstlichsten Hair-Metal-Pracht ist erfrischend, das zu sagen am wenigsten.

Im Gegensatz zu ihrem vorherigen Album „Younger Now“, auf dem Cyrus sich mit einem Roots-Sound ohne viel Substanz beschäftigte, hat sie auf „Plastic Hearts“ tatsächlich viel zu sagen. Dies ist schließlich eine Platte nach der Scheidung, und das einzige Genre, das Cyrus wohl besser beherrscht als New Wave Rock, ist die klassische Country-Ballade. Sie trägt den Desperado-Hut gut auf „High“, einem liebeskranken Schlagersänger, der, ähnlich wie die jüngsten Country-Pop-Werke von Halsey and the Chicks, Lap Steel zwischen glatten Gitarren und Drum Machines webt. Aber der Nashville-Einfluss zeigt sich noch deutlicher, insbesondere in Cyrus‘ Songwriting über ein turbulentes Leben voller Ruhm, Drogen und Herzschmerz. „Stell dich auf ein Podest, du sehnst dich nach dem Rampenlicht/Verzweifelt nach Aufmerksamkeit, die Nase ist blutig, es ist Tageslicht“, knurrt sie bei „WTF Do I Know“, einer von mehreren nicht ganz so fröhlichen Vergnügungsfahrten an Partys vorbei zu spät und illegale Affären im Chateau Marmont.

Auf „Never Be Me“ und „Golden G String“, den beiden stadiongroßen Hymnen, die das Album abschließen, meditiert Cyrus mit LA-Märchenbildern über die Gefahren des Ruhms und die Heuchelei der Branche; In einer doppelten Ode an Johnny Cash verbindet sie das Feuer, das 2018 ihr Haus niederbrannte und sie zu einem Neuanfang zwang, mit der kreativen Flamme, die bis heute in ihr tobt. Cyrus hat schon lange Vergleiche mit der Stimme ihrer Patin Dolly Parton gezogen – sehen Sie sich ihre sofortige klassische Interpretation von „Jolene“ an – aber hier hat sie endlich das Talent der Tennessee-Königin erlangt, eine lebendige Geschichte zu erzählen.

Der einzige Bereich, in dem das Album ins Wanken gerät, wie es bei Platten wie dieser oft der Fall ist, sind die Kollaborationen – sie sind nicht schlecht, aber sie wirken mehr als ein wenig angeklagt. Der Dua Lipa-Spielfilm „Prisoner“ würde besser zu Future Nostalgia des britischen Popstars passen. Und die Duette von Billy Idol und Joan Jett, obwohl sie eine süße Hommage an beide Künstler sind, erschöpfen ihre Beliebtheit ziemlich schnell. Das Einzige, was wirklich funktioniert, ist der „Edge of Midnight“-Remix mit Stevie Nicks, vielleicht weil Nicks sich dafür entschieden hat, sich in Cyrus‘ Vision einzufügen und nicht umgekehrt. Auch wenn Cyrus' Rainbow Bar & Grill-Bild von Rock'n'Roll völlig anachronistisch ist, sollten wir alle das Glück haben, ihm eines Tages einen Besuch abzustatten.